Impresionismo

By Sofia Blanca Bottini

IMPRESIONISMO

​https://youtu.be/D-BrY4HcWRY

NOMBRE

 El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet llamado: Impresión, sol naciente (1873), expuesto en el Salón de Artistas Independientes de París (1874), dándole nombre sin saberlo al movimiento. La París de la época era lugar de peregrinación artística para Europa toda, y allí tuvieron lugar numerosas exposiciones universales.

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OBJETIVO

Quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario (Gestalt).

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Líder del movimiento de arte impresionista, los cuadros de Monet son reconocidos como los más puros ejemplos de este estilo. Su importancia se refleja en el precio logrado por su óleo "Le Bassin Aux Nympheas", vendido el año 2008 en Londres por 40,9 millones de libras esterlinas.

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CALUDE MONET​

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​​Crepusculo

de Venecia

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Monet sentó las bases de la pintura moderna, su pincel no buscaba comunicar una historia ni dar una instrucción moral al espectador, sino que ponía en el lienzo impresiones en función de las sensaciones experimentadas por el ojo. Las pinceladas puntillistas, que pintó en sus cuadros con propiedad de maestro, son el origen de el arte pictórico moderno.

La atedral

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​​Puente Japones

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Nenufares

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COLORES PUROS

§  Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.

§  Creación de nuevos pigmentos al óleo consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables.

§  A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean».

§  Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. La característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulado del color. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, donde el contraste se da por valor, esto se denomina modelado del color; el contraste entre claridad y oscuridad es la que generan la ilusión de profundidad.

§  Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color.

§  Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color.

PINCELADA GESTÁLTICA

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El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad. Esta técnica inspiraría posteriormente a los neo impresionistas o puntillistas.

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  Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.

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Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neo impresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

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FORMA

§  La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.

§  La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor, queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación.

§  Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a:

Ø  Iluminaciones de interior por luz artificial (como Edgar Degas y sus bailarinas)

Ø  Iluminación natural filtrada (como Auguste Renoir)

Ø  Iluminación pasando entre hojas de árboles (o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet)

§  La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas.

§  De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos..

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